经典再读147 | 耶鲁大学美术馆：路易斯·康的第一座美术馆

耶鲁大学美术馆

Yale University Art Gallery

建筑设计：路易斯·康

建成时间：1953年

项目地点：纽黑文，康涅狄格州，美国

在满是新哥特风格建筑的耶鲁校园里，耶鲁大学美术馆是第一栋出色的现代建筑，它是路易斯·康早期的重要作品。

当时美术馆面临着收藏品增多、收藏空间紧缺的问题，急需扩大展示面积，同时保罗·鲁道夫的艺术与建筑大楼修建在即，学校也需要临时的教学空间。校方曾聘请设计纽约MoMA的建筑师菲利普·古德温，设计了一个以玻璃和钢为主要材料的国际风格的方案，在他因疾病原因退出了项目之后，校方也曾考虑过聘请埃罗·沙里宁和菲利普·约翰逊来设计。1947年康开始在耶鲁大学执教，这是他的第一个教职；经过当时的建筑系主任乔治·豪的推荐，他接下了这一项目。

康的美术馆呈现出简单的矩形体量，具有力量感的同时，也十分低调地融入了校园周边的环境。紧邻着1928年完工的另一栋美术馆（美国最早的大学美术馆），康的美术馆以灵活的姿态面对着两条街道的交叉口，西南向立面用砖作为主要材料，面对着主街；并利用位于室内楼板高度、突出于砖墙的石灰岩水平向线条，巧妙地连接了东南侧旧美术馆立面的复杂语汇。

为了保持主街立面的完整性与连续性，康并没有将入口置于正立面上，而是在平面上向内退缩、与旧馆连接的廊道空间处，利用了面对旧馆的东向侧面作为主要出入口。东南立面被玻璃幕墙包裹，并与旧馆相望。在玻璃幕墙与砖墙交接的地方，因为墙体并不承重，康留出了垂直向的细长玻璃开口，让美术馆里的人可以由此一瞥主街的景象。

其他的两侧立面（西北面与东北面）均为大片的玻璃幕墙和局部砖墙，面对着艺术与建筑学院大楼和静谧的雕塑花园。

这是康的第一个美术馆项目。按照任务书，美术馆共设四层，平面开放、自由，主要由两个矩形组成，大矩形是美术馆的核心空间，东侧的小矩形则作为与旧美术馆连接的过渡空间。在这个项目中，康没有用房间来组织内部的展示空间。交通空间、机房和洗手间等服务空间，被有序地放置在大矩形对称平面的中间位置，而左右两侧开放的是展示空间。

展示空间具有现代主义或密斯式普世空间的特质，但是结构柱的处理方式却独具一格。不同于当时其他建筑师惯用的处理方式，康并没有将结构柱简单地隐藏在核心筒的墙体之中，而是脱开墙体布置，使结构柱成为定义空间单元的重要元素，限定了空间的轮廓。

室内壮观的三角形状天花，由康和助手安·婷共同设计。康的前期方案是框架结构和混凝土拱型天花，但婷认为这样的系统意义不大。在建成方案里，除了圆筒楼梯间的三角形楼梯之外，等边三角形也出现在整个楼板结构系统和展示空间的天花上。康曾说现代的施工比过去要麻烦太多，必须面对复杂的管道和设备。固然，密闭的天花可以将它们隐藏起来，但为了控制结构和层高，以及避免给整个空间带来太大的压迫感，康和婷采用了三角形平面的四面几何体单元构成了整个室内天花，所有的管线设备和照明灯均被放置在角锥状的四面体之间。尽管楼板（10厘米厚）和天花的总厚度约为78厘米，但是中空的四面体赋予了空间向上的深度和节奏。曾有人认为这样的几何发展受到了当时也在耶鲁任教的巴克敏斯特·富勒的影响，但是这个观点被婷否认了，她曾表示这个想法来自她的一个未建成的小学设计的结构系统。

在乔治·豪的建议下，康在美术馆内采用了1.5米的可移动展板。为了保持由天花板主导的整体空间的连续性和统一性，与地板和天花脱开，展板由细管进行支撑。

同时，康在这里开始使用圆和三角形的几何构成：参观者使用的楼梯被放置在密实的混凝土圆筒之中，内接三角形的楼梯上下贯穿各个楼层。圆形混凝土的屋顶被三角形布置的梁支起；在屋顶和圆筒之间康使用了弧形玻璃砖，将光线带入空间。

环形的光带和三角形中背光黑暗的区域形成了鲜明对比，这样的处理带来一种强烈的宗教仪式感。而整个的空间处理方式也超越了法典式的现代主义系统，在现代建筑中批判地重新定义了传统的重要性。[1] 罗伯特·麦卡特认为，于康而言，几何本身不是工具，而是目的。通过使用圆形、三角形和正方形来构造耶鲁美术馆的平面，并赋予其主要元素形式，康试图将他的建筑固定在永恒的秩序中。[2]

麦卡特还认为，美术馆中使用的材料形成了一个精心协调的群体，材料的个体体验品质和它们之间的相互作用，对理解建筑都很重要。比如西墙和北墙是全高的钢框架玻璃幕墙，穿过四面体天花板结构，玻璃幕墙在建筑边缘向后折叠，只有15厘米厚的楼板延伸出来支撑钢玻璃框架。砖外墙的内部和矩形服务体量是特制的10厘米× 15厘米的混凝土块，比20厘米× 40厘米的全尺寸块更好地适应了更小的内部空间尺寸。

展示空间的地板由薄橡木条制成，而服务区的地板由抛光的黑色水磨石制成，这些水磨石也在三个展示空间边缘的大横梁下形成条形。服务区的天花板上面有金属网格，可以看到从这个区域连接到展厅的机械和电气线路。

楼梯间的墙壁是由钢筋混凝土建造的，可以清楚地看到木模板留下的肌理。在楼梯内部，黑色的水磨石楼梯踏板安装在成对的混凝土横梁上，与浅灰色的弯曲混凝土墙隔开；而在平台上，黑色水磨石地板设置在匹配的三角形混凝土平台上，由弯曲的混凝土墙上悬挑出去。

康坚持要揭露对他来说是道德责任的事情：结构、材料和制作过程，这些在美术馆开放的时候就已经很明显了。

“我相信坦率的建筑。建筑是一场斗争，而不是奇迹，建筑师应该承认这一点。”在描述美术馆的圆筒楼梯间时，康回到了建筑的理念，认为它是一种需要被揭示的“斗争”：“模板中的贯通纽带……在混凝土上留下了洞，所以从各个方面来看，它是如何被建造的都显而易见。我们强调了建筑的斗争，从一层到另一层，因为接缝是施工中至关重要的东西…我相信这些（结构的）连接，是装饰的开始。”[2]

还有一个更微妙的细节体现在建筑的玻璃幕墙上：康有意识地与典型的国际式风格形成对比。多层国际式风格建筑，遵循密斯的例子，通常会通过在外墙固定连续向上运行、跨越楼层的工字钢来强调垂直感。相比之下，康的设计强调了水平感：通过在每层楼板的连续边缘支撑和隔断幕墙，每个楼层的高度被单独呈现。[2]

在1950年代初，康重新思考了建筑的质量，他使用了欧几里得几何形式，他对暴露结构和建筑的信仰，与抽象表现主义绘画有着相似之处。正如康在耶鲁大学的同事威廉·德·库宁，以及他的艺术家同行马克·罗斯科、罗伯特·马瑟韦尔、巴奈特·纽曼、汉斯·霍夫曼、克莱福德·斯蒂尔和理查德·迪本科恩的作品所证明的那样，抽象表现主义使用大量的纯色块，基本的几何图形，以及表达诸如暴露出底层的建筑线条，未加工的画布和复涂的层次，还有揭示了画家的手的运动记录在笔触和调色板刀标记。

大卫·安法姆在研究抽象表现主义绘画时指出：

“这些与美国建筑师路易斯·康的思想有着惊人的相似性，以及纽曼和罗斯科的态度。在同样的岁月里，他们都追求光与暗的基本划分，为个人的精神提升和地方感构建一个环境。”所有这些可能都表达了对1950年代流行的风格的回应——密斯的国际式风格被美国人迅速采用，这点可能受到了一批美国建筑师的抵抗。[2]

参考资料：

[1]徐千禾，《兼容的现代：芝加哥和美东现代建筑》，2016，有方

[2]Robert McCarter, Louis I Kahn, 2013, Phaidon.

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