同是德国建筑师,与格罗皮乌斯、密斯等几位现代主义大师高山仰止般的地位不同,同时期的汉斯·夏隆(Hans Scharoun)或多或少被低估和忽略了。可能是如同阿尔托的建筑一样,夏隆的建筑,也属于必须身历其境,才能真正被领悟。
汉斯·夏隆(Hans Scharoun,1893—1972)1915年大学毕业,从事建筑与城市规划工作,曾任大学教授。第一次世界大战后,夏隆参加德国的建筑革新运动,是1919年成立的德国艺术工作委员会的成员,1926年参加“环社”(Der Ring)的活动。在1927年由密斯主持的斯图加特住宅展览中有夏隆设计的一座住宅。他的作品是现代主义与表现主义的混合,“二战”期间他留在德国,作品风格不受纳粹当局的欢迎,只从事一些小的建筑设计。
1956年,在12名建筑师参与的设计竞赛中,夏隆的方案脱颖而出,获得头名。这就是后来名垂青史的经典杰作——柏林爱乐音乐厅。
这是最深受德国人喜爱的建筑之一,在战后的德国现代建筑中占有非常重要的地位。建筑帐篷式的外观,反映了室内空间的变化,没有半点虚假造作。
在音乐厅室内,管弦乐队并不处于观众厅的几何中心,而是类似露天剧场般由观众围绕。灵活的非对称的空间组织使得2200座的音乐厅中近90%的坐席位于乐队前侧,其中近500个座位像葡萄园台地般安排在乐坛两侧。所有的坐席离乐坛的距离均在35米之内,从而最大限度地使观众能够较好地欣赏乐队和指挥的演奏。
这种开创性的葡萄园式布局,成为后来众多音乐厅模仿复制的样本,包括60年后设计完工的赫尔佐格和德梅隆设计的汉堡易北河音乐厅。
著名的指挥家赫伯特·冯·卡拉扬在当时不无激动得给夏隆写信,评价道:“我不知道有任何现有的音乐厅,能像这个项目(柏林爱乐音乐厅)一样,如此理想和完美地解决了座位的问题。”
这种葡萄园式布局的设计,是一种将管弦乐团布置于大厅中央,座位环绕布置的方式。与传统的鞋盒式布局不同,这样的布置在空间上利用率上更高,大大拉近了听众和表演舞台之间的距离,提供了一种全新体验的可能性。
“音乐才是中心,不仅是听觉的,也是视觉和空间上的中心。”夏隆这么解释这个建筑的概念。
内部独特的空间构造,让整个演奏大厅有了巨大的声波反射器,让几乎每个区域都可以平均接收到演奏的音乐,获得一种奇妙的视听感受。其绝佳的声学效果,直到今天,柏林爱乐音乐厅依然被公认是全世界音质最好的几个音乐厅之一。
同样出彩的还有那不拘一格,与众不同的建筑造型。特殊的内部空间让整个建筑外形如同一座冰山,肆意张扬。这种洒脱的形象可以看作是战后建筑师对过去国家主义的一种反思。
1963年完工的柏林爱乐音乐厅,这个建筑的意义,也许就像在音乐厅开幕的首场演奏中,卡拉扬别具匠心地选择的贝多芬《莱奥诺拉》第三序曲这个音乐作品的内在含义一样,即:新生与自由。(forca)
参考资料:《前卫与本源:荷兰与德国现代建筑》,有方
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