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近日，High Line Art公布了第七届和第八届项目的62件候选方案，入选作品计划分别于2029年和2030年亮相。
High Line Plinth是纽约High Line于2019年启动的大型公共艺术项目，专门用于展示大型当代艺术作品。位于第十大道上方的平台空间中，项目通过持续更换的雕塑委任，让艺术与城市建筑、街道环境及公众产生互动。
此次公布的方案来自全球不同领域的艺术家，涵盖雕塑、装置与表演艺术等形式，从巨型水果、抽象人体到生态生命形态，展现了当代艺术对城市公共空间的多元想象。
以下精选20件作品进行介绍（排序不分先后），完整名单见文末。
01
《Red Delicious》
—Kathleen Ryan
《Red Delicious》是一件巨大的苹果核雕塑，外部覆以光泽鲜艳的红色表皮，内部则镶嵌着鲍鱼壳、水晶和天然石材，散发出璀璨的光泽。
作品借用了苹果丰富的象征意义——它既是纽约的标志，也是欲望的象征，同时指向消费文化。华丽而奢侈的内部结构映射出一座充满极端对比的城市：在这里，奢华与废弃并存，美丽与腐朽始终相伴而生。
02
《A Portrait of the Present》
—Es Devlin
《A Portrait of the Present》是一件持续演变的巨型公共肖像作品，邀请来自全国各地、希望参与其中的公众共同加入创作。作品通过绘画与机器学习相结合的方式生成，每一张面孔都与下一张面孔相互连接，共同构成一幅关于整个国家的集体肖像。
作品昼夜可见，将国家身份重新定义为一种由公众参与和共同存在不断塑造的过程。
03
《Double Negative》
—Kelly Akashi
《Double Negative》是一件高约25英尺（约7.6米）的雕塑，由两片经激光切割的耐候钢（Cor-Ten钢）蕾丝桌垫构成。
蕾丝桌垫是一种常见的家居织物，通常与照料、家务劳动等日常生活联系在一起。艺术家将这种轻盈而脆弱的蕾丝纹样，以巨大尺度转化为厚重的工业钢材，使原本属于私人家庭空间的历史与记忆，进入公共且具有纪念碑感的城市空间。
两片钢制构件分别竖立于混凝土基座之上，并微微向彼此弯曲，在顶部相接，形成一条可供公众穿行的开放式通道。
04
《Housing（Fragment）》
—Kevin Beasley
《Housing（Fragment）》是一件按纽约褐砂石住宅（Brownstone）原尺寸制作的建筑碎片雕塑，以树脂和当地收集的旧衣物浇筑而成。
作品一侧完整再现了褐砂石住宅的立面与入口台阶，另一侧则以层层树脂板封闭，内部嵌入不同的衣物织物。借由纽约长期存在的住房危机这一社会议题，作品将这种极具代表性的城市住宅类型呈现为一个残缺且封闭的建筑结构，隐喻居住资源的缺失、隔绝与难以触及。
05
《DREAMING OF NO MORE FRONT TEARS》
—Laure Prouvost
《DREAMING OF NO MORE FRONT TEARS》是一件由水磨石制作的七臂人物雕塑，整体由多个碎片组合而成，共同构成一个象征集体的身体。
雕塑的每一只手臂都承载着不同的动作与寓意：有的托举着柑橘，有的挥舞旗帜，有的怀抱婴儿，还有的捧着发光的玻璃海葵，将关怀、抗争与连接等主题交织在一起。
雕塑底部设有多个开口，透过这些孔洞，人们可以窥见人物内部隐藏的私密场景。作品以柔软、多元和共同存在取代传统纪念碑的宏伟与权威，重新诠释了“纪念性”的意义。
06
《Current》
—Kei Imazu
《Current》以1667年荷兰与英国之间的一次商业交换为背景展开创作：当时，曼哈顿岛被用于交换印度尼西亚的一座小岛——鲁恩岛（Run）。
作品通过层叠的形态展开这一历史叙事：牡蛎壳、鹦鹉螺以及悬浮的海洋图像共同构成一组视觉序列，追溯土地如何在全球贸易与资源开采体系中被转化为可交换、可占有的资源。
雕塑顶部的空气凤梨则象征当下的城市环境，将过去的生态系统与今日仍在持续的价值循环和资源开发联系起来，引导人们重新思考殖民历史、全球贸易与自然资源之间的复杂关系。
07
《Apples in a White Bowl》
—Ali Cherri
《Apples in a White Bowl》将经典静物画中的“白碗与苹果”意象转化为一件大型公共雕塑。一只巨大的白色水泥碗中盛放着数颗放大尺度的青铜苹果，它们均已呈现出不同程度的腐烂状态。
作品将原本属于室内与家庭空间的静物场景置于开放的城市公共环境中，同时巧妙呼应了纽约“Big Apple（大苹果）”这一广为人知的城市别称，在日常意象、城市身份与生命消逝之间建立起新的联系。
08
《MER》
—Bianca Bondi
《MER》是一件巨大的双耳瓶形态雕塑，仿佛刚从海水中被打捞而出。作品表面覆盖着类似海洋生物附着物的纹理、水生形态以及放大后的铸造牡蛎壳；顶部蜂巢状结构则呼应了城市养蜂这一生态实践。
作品由树脂、矿物骨料、铜质氧化表面以及铸造牡蛎壳等材料共同构成，将海洋生态与陆地生态的意象融合在同一件雕塑之中，探索不同生命系统之间的联系与共生关系。
09
《Symbol of Hope》
—Serge Attukwei Clottey
《Symbol of Hope》是一件以塑料“Kufour Gallon”水桶为原型的大型雕塑。Kufour Gallon是加纳广泛使用的一种塑料容器，作品保留了桶身因长期使用而形成的凹陷痕迹以及中央开口等细节，真实呈现其磨损状态。
这种容器最初用于运输食用油，后来被广泛重复利用于储存和运输生活用水，并在不同场景中承担了多种功能。艺术家通过将这一日常物件放大为纪念碑式尺度，强调普通材料如何在不断使用、流转与迁移的过程中，被赋予更丰富的社会意义与文化价值。
10
《Witness》
—Sakshi Gupta
《Witness》重新构想了喷泉这一公共设施，将其转化为一座由流动金属构成的雕塑结构。作品采用回收金属与工业金属制作，其中部分材料呼应了High Line过去作为铁路基础设施的历史，使雕塑承载了关于移动、运输与转变的过往痕迹。
作品将一种熟悉的城市公共设施转化为不断变化的动态系统，引导观众思考事物之间的相互依存、感知方式以及共同存在的意义。通过材料、场地记忆与公共空间的结合，《Witness》回应了High Line从铁路到城市公共空间的转型历程。
11
《Sentimental Garden》
—Joël Andrianomearisoa
《Sentimental Garden》是一座以情感为核心的纪念性作品，将情绪视为一种共享语言，以及连接群体记忆的公共空间。
作品通过公众参与的方式展开创作，邀请人们说出自己最喜爱的花朵名称，并将每一个回答转化为对应的雕塑形态，最终汇集成一件完整的装置作品。
作品采用铝材制作，在轻盈的脆弱感与长久的纪念性之间取得平衡，形成一幅由情感、记忆与交流共同塑造的集体肖像。
12
《Rainwater Storage Pot》
—Ramesh Mario Nithiyendran
《Rainwater Storage Pot》是一件巨大的青铜容器雕塑，灵感来源于泰米尔文化和斯里兰卡传统中的储水陶罐。
作品表面呈现蓝绿色调，并刻画了头顶水罐的人物形象以及盘绕的蛇形图案。雕塑置于由手工塑造的黏土砖构成的基座之上，柔和质朴的砖色与上方经过抛光处理的青铜表面形成鲜明对比。
作品借鉴南亚地区与水相关的传统文化，探讨水作为生命滋养之源与不稳定资源的双重属性，将传统仪式中的水文化与当代生态环境问题联系起来。通过这一具有文化记忆的器物形态，作品重新思考人与自然资源之间的关系。
13
《Time Piece（for everyone, everywhere, forever）》
—Ryan Gander
这件由两部分组成的装置作品，以一座大型双面数字时钟为主体。时钟以荧光黄色显示“88：88”，中央闪烁的冒号持续记录着流逝的每一秒。
底部还设有一座黑色图腾式装置，不断循环显示500条与时间相关的文字陈述。作品借鉴商业标识的视觉语言，将时间呈现为一种被测量、被体验、也被感知的存在，而非一个可以被精确固定的数字。
14
《Lightning Rod for Confused Energies 3.0》
—Rebeca Carapiá
《Lightning Rod for Confused Energies 3.0》将书写转化为抽象的金属形态，形成一组开放式的空中书法。作品由铁、青铜和铜制成的垂直构件组成，借助铜材具有导电性的特征，象征着物理能量与社会能量的汇聚、传递与转化。
这件雕塑在身体、语言与城市空间之间建立起一种媒介关系，将原本不可见的思想、情绪与社会关系转化为可感知的空间结构，探索文字、材料与公共环境之间的互动。
15
《Economia de Base》
—Cinthia Marcelle
《Economia de Base》是一件由倒置存钱罐与金属保险箱组成的雕塑装置。公众投入的硬币会被收集于下方的金属保险箱中，而原本象征个人储蓄的存钱罐则被重新置于公共环境之中。
艺术家通过改变这一熟悉物件的形态与功能，将储蓄从一种私人行为转变为集体行动。作品受到美国黑豹党（Black Panther Party）社区互助与生存计划的启发，将积累的资金进行重新分配，将经济重新呈现为一个由公众参与、共享与交换共同塑造的社会系统。
16
《Pelagic Pod》
—Anicka Yi
Anicka Yi提出了一件高约18英尺（约5.5米）的半透明“荚体”雕塑，从一座深色混凝土陨坑般的基座中缓缓升起。作品采用染色树脂制成，表面呈现类似海藻的有机纹理，内部则容纳了10只机械仿生飞蛾，它们会随着一天中不同时间缓慢改变运动状态。
这件作品将机器重新想象为一种能够呼吸、能够感知并作出回应的生命体，仿佛一盏承载着脆弱生命之翼的灯笼，从海洋深处升起，漂浮于城市上空。
17
《HOLD》
—Nina Chanel Abney
《HOLD》是一件扁平的双面泰迪熊雕塑，张开双臂迎接观众。泰迪熊这一形象令人倍感熟悉，通常象征着陪伴、安慰与安全感。
然而，作品颠覆了这种温暖的既定印象，将视角转向泰迪熊名称背后鲜为人知的历史。作品特别提及曾为奴隶的黑人猎熊向导霍尔特·科利尔（Holt Collier），以及他在1902年美国总统西奥多·罗斯福（Theodore Roosevelt）密西西比州狩猎之旅中所扮演的重要角色。
通过重新审视这一广为流传的文化符号，作品揭示了被历史叙事所忽略的人物与故事，促使人们重新思考记忆、权力与身份之间的关系。
18
《Sleepwalker: Honouring the Tired》
—Enrico David
《Sleepwalker: Honouring the Tired》是一件高耸的人形雕塑，由一个折叠姿态的人物主体和一个倚靠在其底部的第二个人物组成。主体人物拥有一张散发微光的缟玛瑙面孔，在光影对比下，作品呈现出一种休憩与相互支撑的状态。
这件作品被构想为一座献给“疲惫者”的安静纪念碑，回应纽约城市生活中持续不断的快节奏所带来的身体与精神消耗，表达对现代都市中疲惫、脆弱与自我恢复状态的关注。
19
《One Blue Bead》
—Wendy Red Star
《One Blue Bead》由四颗巨大的贸易珠（Trade Beads）垂直堆叠而成，每一颗珠子都源自曾在全球贸易中流通的重要物件。
从威尼斯雪佛龙玻璃珠，到与美国西进运动及“曼哈顿购地”神话相关的贸易珠，作品梳理了贸易如何塑造价值、土地与身份认同的历史进程。
在纽约这座正是由这些历史所共同塑造的城市中，作品将这些彼此交织、充满张力的历史叙事凝聚于同一件雕塑之中，引导观众重新审视贸易、殖民与文化交换之间的复杂关系。
20
《wherever the wind may blow》
—Wally Dion
《Wherever the Wind May Blow》由11根不锈钢锥形帐篷柱组成，柱体上安装了可随风旋转的半透明绗缝织物。
这些织物融入了美国平原原住民（Plains Indigenous）的几何图案，包括星形与箭头等符号，并采用具有反光效果的欧根纱材料制作，能够随着光线和天气变化呈现不同视觉效果。
作品底部的星形基座呼应了自由女神像所在的堡垒木质基座（Fort Wood），而高耸的柱体则联想到临时性住所与迁徙生活。通过风、织物与传统图案的结合，作品探讨原住民文化、流动性以及人与土地之间持续变化的关系。
图片来源和参考资料：
[1] https://www.thehighline.org/plinth-proposals-round-4/
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